Vaterland

Der deutsche Schriftsteller Thomas Mann zählt zu den bedeutendsten Autoren des 20. Jahrhunderts. Sein Werk ist bekannt für intellektuelle Tiefe, psychologische Scharfsinnigkeit und die Auseinandersetzung mit einer Vielzahl von Themen wie Kunst, Politik und Reichtum.

Thomas Mann gelingt es, komplexe politische und gesellschaftliche Themen auf eine sehr zugängliche Weise zu beschreiben, erklärt Hanns Zischler: „Ich würde sagen, dass Thomas Mann einer der einflussreichsten deutschen Schriftsteller war, der über vielfältige Themen wie die Krise des Bürgertums, Politik, Sexualität und Familie schrieb. All dies sind gewissermaßen Grundpfeiler der modernen Gesellschaft. Er hatte ein feines und ausgeprägtes Gespür und beschrieb diese Krisen auf vielfältige Weise. Er konnte etwas als politisches Problem, aber auch als Konflikt zwischen Männern und Frauen darstellen.“

Mann wurde zu einem entschiedenen Kritiker des Nazi-Regimes und setzte sich für Demokratie und gegen Faschismus ein, was dazu führte, dass er ausgewiesen wurde, als die Nationalsozialisten die Macht übernahmen. Hanns Zischler dazu: „Thomas Mann versuchte, eine öffentliche Persönlichkeit zu sein und sich zu Wort zu melden, manchmal auf sehr seltsame Weise. Aufgrund seiner politischen Ansichten könnte man ihn bis zum Ersten Weltkrieg als erzkonservativen Literaten bezeichnen. Dann hatte er Einsicht und begann, seine Meinung zu ändern und die Gesellschaft und Politik jener Zeit anders zu betrachten. Der Wendepunkt kam für ihn, als er nicht nach Deutschland zurückkehren konnte, also schrieb er in den Vereinigten Staaten weiter. Als er dann schließlich zurück kam, sah er ein gespaltenes Land vor sich, was zwangsläufig zu einer Identitätskrise führen musste. Er war ein Mann, dessen Wurzeln gekappt wurden.“

Vier Jahre nach Kriegsende kehrte Thomas Mann zum ersten Mal nach 16 Jahren im Exil nach Deutschland zurück, um den Goethe-Preis der Stadt Frankfurt entgegenzunehmen. Diese Reise war die Inspiration für VATERLAND. Wie Zischler ausdrückt: „Der Film ist keine biografische Erzählung seiner Rückkehr nach Deutschland, sondern beleuchtet, wie Mann mit mindestens zwei sehr einschneidenden Erlebnissen konfrontiert wird: Das eine ist der Tod seines Sohnes Klaus. Das andere ist die Heimkehr in ein gespaltenes Land. Als er zur Verleihung des Goethe-Preises reiste, geschah das in einer sehr kritischen Zeit für ihn persönlich und für das politische Leben in Deutschland.“

Sandra Hüller hatte Thomas Mann in der Schule gelesen und behielt in Erinnerung, dass er sowohl in seinem Leben als auch in seinem Schreiben eine sehr rätselhafte Gestalt war: „Ich erinnere mich, dass ich seine Werke gelesen und verstanden habe, dass er eine interessante Persönlichkeit war – nicht nur in der Literatur, sondern auch in seinem Leben. Seine Reden an die Deutschen, die er in Los Angeles aufgenommen hatte, wurden in Deutschland neu veröffentlicht, was ihn mir noch näher brachte, denn ich fand es großartig, wie er versuchte, die deutsche Öffentlichkeit zum Kampf gegen den Faschismus zu motivieren. Er ist jedoch auch ziemlich widersprüchlich, denn als Mensch war er meiner Meinung nach sehr unnahbar. Man konnte nie wissen, was er gerade dachte und bekam nie Gesten der Zuneigung von ihm. Seine Liebe für andere drückte er auf sehr spezielle Weise aus.“

Zwei von Manns Kindern, Erika und Klaus, waren selbst berühmte kulturelle Persönlichkeiten. Erika Mann war Schauspielerin, Schriftstellerin, Rallyefahrerin und politische Aktivistin. Klaus Mann war Romanautor und Essayist. Wie ihr Vater gingen beide während der Zeit des Nationalsozialismus ins Exil und engagierten sich im intellektuellen Widerstand gegen den Faschismus.

August Diehl hält die Beziehung zwischen Vater und Sohn – in ihren Texten und in ihrem Leben – für sehr interessant und dynamisch: „In ihren Texten gibt es Unterschiede. Klaus suchte nach etwas, das sich nicht erklären und nicht beschreiben lässt. Ich habe Klaus immer als jemanden gesehen, dem es an Vollkommenheit mangelte. Es gibt viele ähnliche Familien, in denen es ebenfalls darum geht, aus dem großen Schatten des Vaters herauszutreten.“

Für Sandra Hüller ist die Beziehung zwischen Erika und Klaus gleichzeitig schön und tragisch, wenn man berücksichtigt, wie eng sie als Geschwister beieinander waren: „Erika und Klaus bezeichneten sich selbst als Zwillinge. Sie machten alles gemeinsam. Sie reisten zusammen. Sie machten Kabarett zusammen. Sie schrieben zusammen. In den Jahren vor Klaus’ Tod wurde es für Erika immer schwieriger, mit ihm zusammen zu sein. Denn man weiß ja, dass Menschen, die an einer Depression leiden, selbst wenn man sie sehr liebt, dazu tendieren, einen mit in ihre eigene Dunkelheit zu ziehen. Erika weigerte sich, ihm dorthin zu folgen, deshalb ging sie auf Abstand.“

Eines der Themen, die Paweł Pawlikowski in diesem Film und anhand der Familie Mann im Exil beleuchten wollte, war der Gedanke von Heimat und Zugehörigkeit. Er beschreibt es folgendermaßen: „Ich musste mein Land verlassen, als ich jung war. Ich lebte in Deutschland, Frankreich und für eine lange Zeit in England. Vor dreizehn Jahren ging ich zurück nach Polen, um dort zu leben, was natürlich ein ganz anderes Polen war, als das, was ich vor vielen Jahrzehnten verlassen hatte. Deshalb kenne ich das Gefühl der Heimatlosigkeit, das Thomas Mann und seine Kinder im Film erleben, und ihre Suche nach einer ‚Heimat‘ sehr gut.“

Sandra Hüller und August Diehl gingen zusammen auf die Schauspielschule, daher freute sie sich sehr, dass er im Film ihren Bruder spielen würde: „August und ich kennen uns jetzt schon seit dreißig Jahren und wir haben fast nie zusammen gespielt. Niemand ist auf die Idee gekommen, uns gemeinsam in einem Film zu casten. Er ist sehr besonders und ich finde, dass er die perfekte Besetzung für Klaus Mann ist, weil sie eine sehr ähnliche Energie besitzen.“

Paweł Pawlikowski erinnert sich daran, wie fasziniert er bisweilen von Sandras Darstellung der Erika war: „Sie ist intelligent und sehr intuitiv, und sie hat diesen zusätzlichen Gang, den sie noch einlegen kann. Es gab einige Takes, bei denen ich eine Gänsehaut bekam, nicht weil sie Emotionen schauspielerisch darstellte – was sie niemals tut –, sondern weil sie so treffend, so echt waren. Man konnte ihre Intentionen überhaupt nicht spüren, es ist einfach geschehen. Später habe ich mir Sandra hunderte Male angesehen, wie man das in der Postproduktion tut, und da hatte ich wieder Gänsehaut. Sogar während der Farbkorrektur, als ich mir ihr Gesicht ohne Ton ansah.“

Hanns Zischler war beeindruckt von Sandras Bescheidenheit und der Beständigkeit ihrer Leistung: „Ihre Darstellung strahlt in jedem Film, in dem sie mitspielt, eine intuitive Brillanz aus. Sie hat diese anziehende Ausstrahlung – ohne jeglichen Glamour. Sie ist sehr selbstbewusst und auch sehr ausgeglichen.“

August Diehl erinnerte sich daran, dass Hanns Zischler auch in seinem ersten Film seinen Vater gespielt hatte, und freute sich darauf, die Beziehung in diesem Film neu zu interpretieren: „Hanns Zischler war mein Vater in meinem allerersten Film, ein Vater, den ich nicht mochte und der streng war. Jetzt ist es genauso. Aber Hanns ist ein Gentleman. Ich erinnere mich immer an ihn als einen ruhigen, freundlichen und höflichen Menschen, mit dem ich gute Gespräche geführt habe. Er denkt nach, bevor er spricht.“

VATERLAND spielt an einem Wendepunkt der Weltgeschichte, als Deutschland nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges in zwei getrennte Staaten geteilt wurde, mit zwei grundverschiedenen Ideologien. Wie bei seinen früheren Filmen wollte Paweł Pawlikowski die Geschichte seiner Figuren vor dem Hintergrund politischer Umbrüche erzählen, ohne jedoch das Gefühl zu haben, die Geschichte erklären zu müssen: „Ich glaube nicht, dass man Geschichte im Film erklären kann. Die meisten historischen Filme gehen von einem bestimmten Narrativ oder einer Theorie aus und versuchen, diese durch Figuren und einen bestimmten Plot zu veranschaulichen. Für mich wird Geschichte erst dann lebendig, wenn sie anhand konkreter Figuren, Beziehungen und Situationen dargestellt wird, und diese sind immer komplex, oft auch paradox. Erklären und Veranschaulichen schränken die Bedeutung ein, sie lassen einen die Absichten des Autors klar erkennen und machen das Kino zunichte.“

Thomas und Erika Mann reisen in einem schwarzen Buick von Frankfurt nach Weimar, einer Limousine, die in den Augen von Hanns Zischler als eine Art Zeitmaschine fungiert, die die beiden durch das sich wandelnde Land transportiert: „Du steigst in dieses Auto ein und in einen Traum. Ich denke, dass Paweł das Auto als Traummaschine benutzt. Das Auto selbst sorgt für einen Fluss. Es führt dich aus dir selbst heraus. Genau das geschieht mit diesen Figuren und in gewisser Weise hilft ihnen das Auto dabei, über sich hinauszuwachsen.“

Als Paweł Pawlikowski Manns Biografie gelesen hatte, fühlte er sich direkt von dem Bild dieses schwarzen Buicks angezogen: „Ich fand es ein großartiges Bild, wie Mann in dieser amerikanischen Luxuslimousine durch die Trümmer der Nachkriegslandschaft fährt. Ich liebe die  Roadmovies der 1970er Jahre. VATERLAND ist natürlich kein richtiges Roadmovie, vieles passiert in Hotels, aber die Reise ist gewissermaßen der Schlüssel. Wenn ich so darüber nachdenke – das erste Mal habe ich Hanns Zischler in Wenders’ Roadmovie-Klassiker IM LAUF DER ZEIT von 1970 gesehen.“

Da Erika als ehemalige Rallyefahrerin diejenige ist, die Thomas Mann in diesem Auto durch das Land fährt, musste Sandra Hüller lernen, wie man mit solch einem besonderen Fahrzeug umgeht: „Es gibt in Leipzig einen Mann, der in einem Oldtimer-Museum arbeitet und genau so einen Buick besitzt, wie ihn Thomas Mann gefahren hat. Er hat uns gestattet, damit das Fahren zu üben, was am Anfang ziemlich beängstigend war, weil dieses Auto so groß und schwer ist und ganz anders funktioniert als unsere heutigen Fahrzeuge. Man braucht dafür viel Kraft in den Armen, gleichzeitig ist es auch sehr empfindlich. Es ist ein wunderschönes Auto und ich bin sehr froh, dass wir die Gelegenheit bekamen zu lernen, wie man damit fährt.“

Da der Film in einer Zeit der Zerstörung und der Wiedergeburt spielt, war es wichtig, dies vor der Kamera nachzubilden. Paweł Pawlikowski beschreibt es so: „Die Herausforderung bestand darin, eine Welt in Trümmern zu erschaffen, in einer Welt, in der es keine Trümmer gibt. Also verbrachten wir viel Zeit damit, durch Niederschlesien zu reisen, jenen Teil Polens, der vor dem Zweiten Weltkrieg zu Deutschland gehörte und der über die passende Architektur verfügt. Wir fuhren monatelang umher und hielten Ausschau nach verfallenen Gebäuden, Fabriken, Burgen…Mir war von Anfang an klar, dass wir den Zuschauer in diese Zeit und an diesen Ort versetzen mussten, ohne Archivaufnahmen zu verwenden. Deshalb habe ich diese lange Kamerafahrt konzipiert, in der Thomas und Erika in das zerstörte Frankfurt einfahren. In der Stadt Legnica fanden wir diese lange, heruntergekommene Straße mit deutscher Architektur, und wir haben einen großen Teil des Budgets dafür verwendet, eine verwüstete Stadtlandschaft nachzubilden. Das war unser ‚Money Shot‘. Die Szene verdeutlicht, dass wir uns in einer Welt in Trümmern befinden, die langsam wieder zum Leben erwacht. Die Produktionsdesigner haben großartige Arbeit geleistet. Die Statisten haben ebenfalls ihren Teil dazu beigetragen.“

Der Produktionsdesigner Marcel Sławiński weist auf den künstlerischen Ausdruck hin, der bei der Arbeit an Spielfilmen im Gegensatz zu Dokumentarfilmen zum Tragen kommt. Er führt weiter aus: „Wir drehen einen Spielfilm, keine Dokumentation. Dadurch kreieren wir für die Zuschauer nicht nur eine Illusion, die die historischen Fakten der damaligen Zeit und aus Thomas Manns Leben widerspiegelt, sondern wir schaffen auch einen emotionalen Raum und eine zeitlose Vision.“

Katarzyna Sobańska, die andere Hälfte des unzertrennlichen Produktionsdesigner-Duos, erinnert sich an ihr erstes Treffen mit Paweł Pawlikowski zu IDA: „Es wurde uns klar, dass die Zusammenarbeit mit ihm ganz anders werden würde als alles, was wir bisher getan haben. Er bezieht uns in diese offene Zusammenarbeit mit ein und sorgt dafür, dass wir immer weiter suchen und keinen Stein auf dem anderen lassen, bis er gefunden hat, was er braucht. Obwohl er aus dem Dokumentarfilm-Bereich kommt, sind Pawełs Sensibilität und seine Arbeitsweise die eines Poeten. Marcel und ich beschreiben unsere Zusammenarbeit mit ihm in etwa so, als würden wir versuchen, Bilder unter seinen Augenlidern hervorzuziehen…“
Marcel ergänzt: „In der Praxis läuft es häufig so ab, dass wir Paweł all diese Dinge zum Spielen geben und dann beginnt er, Sachen herauszunehmen und alles auf ein paar wesentliche Elemente zu reduzieren, ganz nach der Devise ‚weniger ist mehr’.“

Die Kostümbildnerin Ola Staszko hat für den Entwurf der Kostüme die Werke von Thomas Mann erneut gelesen, um ein besseres Verständnis davon zu bekommen, wer er war: „Auch wenn sein Werk nicht wirklich widerspiegelt, wie er sich gekleidet hat, war es gut, ein Gefühl für sein Umfeld zu bekommen. Ich habe mir Archivaufnahmen aus dem Jahr 1949 und dem Nachkriegsdeutschland angesehen. Es war eine seltsame Zeit, da das Land in zwei Länder aufgeteilt wurde, das eine vom Westen beeinflusst und das andere von der Sowjetunion. Das war sehr spannend für mich als Polin, weil man die Dinge plötzlich aus einer ganz anderen Perspektive betrachtet.“

Darüber hinaus bedeutete Pawełs Entscheidung für Schwarz-Weiß, dass Ola bei der Auswahl der Farben für die Kostüme auf die Kontraste achten musste: „Für die Kostümabteilung ist das etwas ganz anderes. Jedes Mal, wenn wir Schwarz-Weiß verwenden, lerne ich etwas daraus, denn natürlich neigen wir intuitiv dazu, an bestimmte Farben zu denken und mit einem bestimmten Farbspektrum zu arbeiten. Bei Schwarz-Weiß-Filmen geht es in erster Linie um den Kontrast, was bedeutet, dass man manchmal sehr ungewöhnliche Farben miteinander kombinieren muss, um das gewünschte Bild zu bekommen.“

Der Haarstylist und Maskenbildner Waldemar Pokromski hat zu Beginn seiner Recherchen für dieses Projekt authentische Unterlagen und Akten durchgesehen. Er erklärt: „Ich habe mir ziemlich viel Zeit genommen, um verschiedene Quellen durchzugehen. Genau wie Paweł war es mir wichtig, über den Vordergrund und die Darsteller hinauszuschauen und etwas zu vermitteln, das sich dahinter abspielt. Diese zweite Kulisse musste mit unseren Figuren koexistieren. Besonders in historischen Filmen ist es wichtig, dass die Zuschauer wissen, in welcher Zeit sie sich befinden – das erreichen wir durch Make-Up und Kostüme. Wenn eine Figur eine Jacke aus den 1940er-Jahren trägt, und eine passende Frisur, dann wissen wir genau, dass es um eine Geschichte aus der Nachkriegszeit geht.“

Waldemar hatte schon vorher mit Sandra Hüller zusammengearbeitet, daher freute er sich, gemeinsam mit ihr und Paweł nun Erika Mann zum Leben zu erwecken. „Paweł und ich suchten nach dem entscheidenden Element für Sandras Look, denn wir waren alle daran gewöhnt, dass sie blond war, aber als Erika konnte sie nun einmal nicht blond sein. Wir sprachen darüber, ihr Haar zu färben, wogegen Sandra zunächst Einwände hatte, doch schließlich konnten wir uns auf eine dunklere Farbe einigen. Da der Film in Schwarz-Weiß gedreht wurde, musste ihr Haar nicht richtig schwarz sein – es reichte aus, dass es dunkelblond war, was im Film wie schwarz wirkte. Erika hatte zudem eine ziemlich außergewöhnliche Frisur, wie man auf Fotos und in Dokumentationen sehen kann, und es gelang uns, diese nachzugestalten.“

Paweł Pawlikowski arbeitete bei VATERLAND erneut mit dem Kameramann Łukasz Żal zusammen: „Łukasz ist der perfekte Partner. Wir gehen eine Art Symbiose ein und gestalten alle Einstellungen gemeinsam. Er bringt sich voll und ganz in den Prozess und die Ästhetik eines jeden Films ein, den er dreht. Er hat kein Ego, was selten ist in dieser Branche, sondern ganz viel positive Energie und Freude. Und wenn er in seinem Element ist, ist er nicht zu bremsen und kämpft bis zum bitteren Ende für das Bild, das wir haben wollen, auch wenn sich alles gegen uns wendet und ich schon versucht bin, aufzugeben und weiterzugehen.“

Der Einsatz von Schwarz-Weiß unterstreicht für Łukasz die Bescheidenheit und die Einfachheit des Filmemachens und der Geschichte: „Der Film spielt 1949 und wir wollten ihn eher wie eine Reportage, eine Dokumentation gestalten. Wir wollten die Kamera nicht ohne guten Grund bewegen. Wir setzen Bewegung ein, wenn es etwas Bedeutsames gibt. Wir wollten nicht, dass der Film in seiner Beleuchtung zu ansprechend wirkt – wir wollten diese Strenge beibehalten, die wir in den Fotografien von Thomas Mann aus der damaligen Zeit gesehen hatten.“

Seit er seine Karriere als Kameramann mitten in den Dreharbeiten zu IDA begonnen hatte, nachdem der ursprüngliche Kameramann ausgestiegen war, arbeitet Łukasz mit Paweł zusammen. „Die Zusammenarbeit mit Paweł prägte meine Art, Filme zu drehen. Sie bereitet mir große kreative Freude, genau davon habe ich geträumt, als ich noch Student war. Ich hatte nie wirklich Interesse daran, schöne Bilder zu schaffen. Das Wichtigste war immer, bedeutsame Dinge darzustellen und dafür die richtige Form zu finden. Jeder Film mit Paweł ist eine erstaunliche Reise, auf der wir immer etwas Neues entdecken. Alle seine Filme sind eine Reflexion über das Leben – es gibt zwar eine Handlung, doch dahinter verbergen sich so viele universelle Themen und Ideen.“

Beim Ton arbeitete Paweł Pawlikowski am Set eng mit dem Tonmeister Tarn Willers zusammen und in der Postproduktion mit dem leitenden Tonschnittmeister und Tonmischer Lars Ginzel, um die emotionale Kulisse für die Vater-Tochter-Beziehung und die Welt des Jahres 1949 zu gestalten. Lars Ginzel war beeindruckt von der Musikalität in Pawełs Filmen. „Nicht nur die eigentlichen Musikstücke, von denen viele live am Set eingespielt wurden, sondern auch seine Szenen haben oft eine gewisse musikalische Qualität. Ein Großteil der Arbeit in der Ton-Postproduktion konzentrierte sich daher auf den Rhythmus und den Fluss der Szenen, um das Bild, den durch die Darbietungen der Schauspielerinnen und Schauspieler vorgegebenen Rhythmus sowie den Schnitt zu unterstreichen. Durch die Verwendung des schmalen Academy Formats, die Bildkomposition und die sparsame Bewegung möchte Paweł das, was das Publikum sieht, beschränken. Vieles scheint außerhalb dieser Bildausschnitte zu passieren, wird nur angedeutet, also spielt der Ton zwangsläufig eine wichtige Rolle. Aber wir haben versucht, das in einer sehr unaufdringlichen, unsichtbaren Art und Weise umzusetzen. Den sowjetischen Checkpoint mit Personen- und Fahrzeugkontrollen zum Leben zu erwecken, oder die Kantine vor und nach den Öffnungszeiten, oder Goethes Haus mit seiner unheimlichen Stille und dem knarrenden Boden – das war genauso wichtig wie die Gestaltung der Störungen, die die interkontinentalen Telefonate unterbrachen. So echt sie sich anhören – all diese Geräusche wurden in der Postproduktion kreiert und sorgfältig gestaltet. Die meisten Menschenansammlungen mussten komplett neu nachvertont werden, da die Statisten kein Deutsch sprachen. Auf diese Weise schufen wir Stimmungen, die von lebhaften Bankett-Besuchern, die tanzten und jubelten, bis hin zu einer nah aufgenommenen, ruhigen, intimen Unterhaltung zwischen Erika und Betty an der Bar reichten.“

Für August Diehl beschreibt der Film VATERLAND die Unfähigkeit „etwas zu retten, das zum Verfallen verurteilt ist, und diese letzte Reise durch ein Land zu unternehmen, das gerade im Begriff ist, geteilt zu werden. Thomas Mann sieht, dass das Deutschland, das er kannte, in Trümmern liegt und unternimmt eine letzte Reise, um zu versuchen, es zu retten. Gleichzeitig sieht er, dass das unmöglich ist. Es geht um die Schönheit des Verfalls.“

Für Sandra Hüller geht es darum, sich angesichts von Widrigkeiten zu behaupten und an seinen eigenen Gedanken und Ideen festzuhalten: „In dem Film geht es darum, eine Haltung gegenüber der Welt einzunehmen und wie man diese bewahrt und sich nicht von persönlichem Leid unterkriegen lässt. Wir leben in einer Zeit, in der nichts mehr wirklich wichtig zu sein scheint, und in der das Mindset, das wir bei Thomas und Erika sehen, offenbar verschwunden ist. Ich denke, der Film erinnert uns daran, dass es tatsächlich möglich ist, Rückgrat zu zeigen.“